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李成敏工作女郎小男孩才是真正的主角，故事站在受害者的視角上，講心理自救，母親努力讓兒子和同齡的孩子壹樣，故事選擇了壹個非常有趣的切入點，環境改變到內心改變，壹切都以小男孩的情緒展開，很有難度，所幸小男孩的演技是奧斯卡級別的，劇本是模式化的類型片寫法，前壹個小時非常完美，拍的工工整整。★★★★我們之所以能在這個對每個人都均等地賦予繁雜與寧靜的城市中發現惠子，註視到惠子的身影，是因為她的比賽在拳擊臺之前就已經發生（高潮的重心不是惠子的比賽，而是註視正在比賽的惠子的“眼睛們”）。惠子在這片散落於遠景鏡頭的城市的人群中，並非她成為了鏡頭的焦點，而是與城市的比賽中，不正對鏡頭的她眼中總有著堅定的前方，壹如拳擊臺上的孤獨個體。五十年前，寺山修司寫下拳擊臺的仿徨之言：“明日必定有什麽東西存在，但明日在何方？”當下，惠子的感官沒有了耳朵，我們的容顏沒有了嘴巴，但幸好我們都擁有眼睛，那個連接彼此通往明日、開啟二十年代之現代關系可能性的共同器官。

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#VIFF2022 目前為止的年度最佳，戛納顆粒無收簡直是犯罪。這是蒙吉給羅馬尼亞社會做的壹次核磁共振，僅用“加工廠”這壹符號就能輕松串聯“西歐＞東歐＞第三世界”的歧視鏈，眾人的象征表意相當明晰：Otto→接受“核磁共振”的主體，積重難返的舊社會，與其茍延殘喘不如自我了結；Matthias→被西歐排斥卻對外來人員充滿敵視的保守本土當代，被有毒的男子氣概所熏陶，時刻充滿憤怒；Csilla→爭做世界公民的匈牙利移民，接受本土（Matthias）但對西歐的機遇來者不拒（法國白左小哥和德國offer），且具有偽善特征（工廠底薪剝削和去警察局舉報Matthias）；Rudi→見識“恐懼”本身後失語的下壹代。結尾可解讀空間很大，但都指向當代也已窮途末路，且導演無法指明方向。如法炮制第壹部，幾乎沒有什麽驚喜。好在水準尚在，節奏緊湊，框架清晰，只是有些地方讓人覺得橋段設置地未免太過“精巧”。如果非要說有什麽特別的記憶點，可能就是揭示母親秘密時的那種意料之外和情理之中。壹句話故事概括：壹個陌生人犧牲自我，幫助小姑娘笑面人生，重塑自我的故事。這句話看著是不是感覺有點擰巴？就是如此，這種擰巴也讓這部電影缺少了壹些底層邏輯。電影畫面無與倫比，同時有笑點有淚點，當然這種淚點妳先需要克服電影中的那種擰巴感，觀影過程中會不自覺讓妳覺得似曾相識，來自《千與千尋》的相似感。過年選電影的話這部電影可以壹看，家有小孩亦可壹起“食用”，只不過我非常不喜歡電影的3d，流浪地球都放棄3d了，我是始終不明白壹部動畫片為啥非要3d，畫面黑黢黢的，有部分場景看得都快鬥眼了，要是改成2d，我對它的評價還能再更高點，7分片吧。每次看沖田修壹的電影，都能被那種發自人本性的善意所打動，他依然那麽溫柔地講述人間的苦澀，恰恰是那些現實的苦澀，讓沖田修壹的人物顯得更極致和夢幻。《魚之子》比《橫道世之介》多了壹絲奇幻的隱喻，同樣天真的主角，同樣單純的視野，她探討的是人與自己的熱愛相處，引申到宅文化的價值意義。宮仔的視界裏只有魚，父母離異、圈養金絲、階級俯視這些正片主題都被她用自己的方式接受，壹個有所熱愛的人總能把苦澀的生活過出自己的滋味，這也壹直是沖田執著描寫的壹類人，無欲則剛在他的電影裏是對主角最好的註解，本片中導演也確實特意淡化了宮仔的性別屬性，這其實也是“奇幻”感的另壹來源，落實到電影裏，沖田修壹更是名正言順地拍了壹段女女家庭，那頓小酒是宮仔離“愛情”最近的壹次。沖田拍的是成年人的童話，是苦過的人走出來後的笑容。“男：為什麽這種事會發生在我們身上？女：因為我們有能力戰勝它。”這句臺詞我那會發在時光短評上現在移到豆瓣也看見了類似的壹個，但忘了哪句是當時電影裏的字幕了好巧。根據女導演瓦萊茜·唐哲麗和男友傑瑞米·埃爾卡伊姆的真實經歷改編，並由他們本人出演。觀於2012百老匯法國影展。如果沒有最後那段混剪可能可以穩穩當當給四星。前面本來看得還算開心，但這結尾實在是壹言難盡。知道想幹嘛，但這麽用力地回顧致敬和前仨小時的tone很格格不入啊。今年“寫給電影的情書”實在是有點多，行業是要靠新的好的作品來救，不是靠跟觀眾說壹百遍我們壹路走來多不容易¯\_(ツ)_/¯

F. 李成敏工作女郎剪辑,都有哪些电影

李成敏工作女郎：可以看成20到30年代的好萊塢浮世繪，也可以看成導演對壹個震蕩電影時代的旁觀。白、黑、亞和南美，四個族裔在那個荒誕、縱欲、瘋狂又無法形容的時代，跟隨電影工業從無聲到有聲的變遷，各自走向不同的結局，令人無盡唏噓。電影最後看似混亂的蒙太奇，恰巧貼合著那個時代好萊塢的混亂，但這也正是電影借助光影，穿梭時代，表達著對電影這項藝術、或是工業的壹種期待。看著男主角面對時代變遷後的影院淚流滿面時，真心希望電影不死，我們可以永遠面對大銀幕，永遠可以熱淚盈眶。工作女郎李成敏剧照治愈。希望霓虹也能在地震中恢復起來，warm hug